En el norte de Europa, las manifestaciones artísticas del gótico tardío fueron coetáneas con los descubrimientos y con el cambio de visión del mundo producidos en Italia. En el norte, países como Alemania, los Países Bajos e Inglaterra fueron menos receptivos a la hora de aceptar el incipiente renacimiento.
Las primeras obras del siglo XV fueron menos significativas y a escala menor que las que se produjeron en Italia. Al mismo tiempo, la miniatura de la obra Las muy ricas horas del duque de Berry (c. 1416, Musée Condé, Chantilly), realizada por los hermanos Limbourg, pone de manifiesto un interés por el detalle naturalista y por lo anecdótico desconocido en Italia. También son notables en esta obra la delicadeza y la minuciosidad con que están tratados todos los elementos del paisaje.
El renacimiento en los Países Bajos
El pintor flamenco Jan van Eyck fue el fundador de la pintura renacentista en Flandes y en Holanda. Su estilo es una síntesis del naturalismo de los hermanos Limbourg más las innovaciones en el uso de la luz de otro pintor, Robert Campin, conocido como el maestro de Flémalle. Van Eyck combina, con talento y habilidad, un estilo que es el contrapunto del arte que Masaccio realiza en esos momentos en Italia. Su obra El cordero místico (terminada en el año 1432, San Bavón, Gante) es una de las más extraordinarias obras del renacimiento. Consta de dos alas, pintadas por ambas caras, que se abren para mostrar la tabla central dispuestas en dos niveles. Probablemente, fue realizado en parte con la ayuda de su hermano Hubert van Eyck. La parte central del piso inferior contiene la Adoración del Cordero, con hileras de figuras colocadas en un paisaje articulado que representa claramente el paraíso. Encima se encuentra la figura del Padre de Dios entronizado, coronado como un Papa con tiara y flanqueado por la Virgen María y San Juan Bautista. Van Eyck se manifiesta a sí mismo en esta obra como un agudo observador del mundo visual. Casi por intuición, concibe el sistema de perspectiva lineal y usa mínimamente la perspectiva aérea en algunas partes del paisaje de fondo. Van Eyck fue también consciente de la atracción en el espectador de los elementos de la naturaleza muerta e integró numerosos detalles en la compleja iconografía de sus obras. Lo que marca la diferencia de su arte y el de finales del siglo XV en el norte de Europa con el de sus contemporáneos italianos es la completa ausencia de alusiones a la antigüedad clásica.
A mediados del siglo XV, Van Eyck fue considerado por un estudioso italiano como el pintor más significativo de su época. Su famoso retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434, National Gallery, Londres) es la representación de los esponsales de un banquero italiano. En la pared del fondo, detrás de la pareja, hay un espejo convexo que refleja la habitación en la que los esposos permanecen en pie y en la que el artista se autorretrata. Van Eyck dejó constancia de su firma y fechó la obra. Este magnífico pintor también produjo pequeños retratos de grupo de un extraordinario realismo.
Rogier van der Weyden, pintor de Tournai (Flandes), fue quien, a diferencia de Jan van Eyck, realizó un viaje a Italia en el año 1450. Su obra fue muy admirada en Italia e incluso pudo haber influido en la escuela de Ferrara. La obra más importante de Van der Weyden es El descendimiento de la cruz (1435, Museo del Prado, Madrid) pintado por encargo de un gremio de artesanos de Lovaina. El dolor que reflejan sus personajes, aún desconocido para el arte italiano, se plasma en sus expresiones faciales y en las posturas de sus cuerpos. Como Van Eyck, Rogier tuvo gran destreza para el retrato, pero infundió a sus figuras una dimensión emocional añadida.
La siguiente generación de pintores flamencos, que recogen la herencia de Van Eyck y de Van der Weyden, está representada por Dirk Bouts, uno de los primeros artistas que utilizaron la perspectiva. Hugo van der Goes imprimió una huella personal y emocional a sus pinturas religiosas, que combinaron aspectos del arte de los precursores. Su obra más conocida es el Retablo Portinari (c. 1476, Uffizi, Florencia), realizado para un mecenas florentino, que finalmente llegó a Italia alrededor de 1480. La llegada de este cuadro de gran formato causó sensación entre los artistas locales, quienes se quedaron sorprendidos por el exacerbado realismo del recién nacido que yace en el suelo, así como por la magnífica representación de los objetos que le rodean. Van der Goes se volvió loco hacia mediados de su vida. En algunas ocasiones sus obras alcanzaron una gran intensidad expresiva. Su coetáneo Hans Memling, aunque nacido en Alemania, parece ser que se formó en Flandes y en los Países Bajos, donde transcurrió la mayor parte de su vida. A pesar de que no fue un pintor particularmente innovador, Memling se conformó con emular los hallazgos de sus predecesores, pero ejecutó su obra con una extraordinaria destreza.
Sin duda, el artista más original de este periodo fue El Bosco que fue quien menos dependió de la pasada tradición flamenca. Casi todas sus obras fueron totalmente anticonvencionales. El jardín de las delicias, también conocido como La pintura del madroño (1510-c. 1515, Museo del Prado), es una obra alegórica del pecado y de la redención, en la que se muestra un mundo surreal e imaginario donde el pasado, el presente y el futuro se despliegan en imágenes de pesadilla. Su extrema originalidad conduce al arte de Pieter Brueghel, el Viejo, quien realizó ya en el siglo XVI una serie de grabados titulados Los siete pecados capitales (1557) que en su imaginación fantasmagórica demuestran la poderosa influencia de El Bosco. Al tiempo que muchos de sus contemporáneos acogieron las novedades italianas, Brueghel quiso rendir un homenaje al estilo de los primeros pintores de los Países Bajos y flamencos en sus propias obras y grabados, que a menudo ilustraban proverbios folclóricos, con frecuencia en clave satírica.
Los manieristas holandeses y flamencos, incluidos Bernard van Orley, Lucas van Leyden y Jan van Scorel, recogieron la herencia de Miguel Ángel y de Rafael a través de grabados, o por medio de obras de primera mano de los artistas. Además, las aportaciones de Alberto Durero, el maestro alemán, sirvieron de estrecho vínculo entre los estilos italianos y el viejo estilo holandés.
Si los pintores de los Países Bajos se han distinguido durante el renacimiento, los escultores fueron menos innovadores, guardando una conexión más cercana con la tradición gótica del pasado. Las formas arquitectónicas casi no se vieron alteradas por el renacimiento.
- El renacimiento en Francia
Los franceses fueron reacios a aceptar las innovaciones que se habían producido en el arte en Italia, aunque durante el siglo XVI fueron finalmente adoptadas en Francia, como consecuencia de la presencia de muchos artistas italianos en la corte de Francisco I. Leonardo da Vinci viajó a Francia en 1516 a petición del propio rey, pero debido a su avanzada edad, murió antes de que pudiera realizar trabajos de importancia. La obra del palacio de Fontainebleau se convirtió en el punto central del arte renacentista francés.
- El renacimiento en Alemania
La pintura en Alemania tuvo una ilustre tradición durante el renacimiento, gracias a varias personalidades artísticas que dominaron el panorama. El arte alemán estuvo muy vinculado al pasado gótico, pero muchos de sus artistas fueron capaces de fundir la herencia medieval con los nuevos descubrimientos. Konrad Witz fue uno de ellos. Parte del gran altar El milagro de los peces, también conocido como Cristo andando sobre las aguas (1441, Museo de Arte e Historia, Ginebra), refleja un paisaje real con referencias específicas a elementos del paisaje suizo de los Alpes y que expresan la conciencia de Witz respecto a la aceptación de los avances artísticos italianos. Los artistas alemanes encabezaron el desarrollo del arte del grabado, como lo demuestran las publicaciones de libros, que en este periodo florecieron por todas partes.
Alberto Durero, un veterano pintor y grabador, introdujo en Alemania, prácticamente sin ayuda, la corriente del arte renacentista. Niño prodigio, se formó primeramente como orfebre pero pronto se estableció en su ciudad natal de Nuremberg como pintor y grabador. Sus magníficas series de grabados, las tres versiones de la pasión y de la vida de la Virgen, difundieron su estilo a través de toda Europa. Se había instruido en la perspectiva y comprendía la ciencia en toda su complejidad. Durero visitó Italia en dos ocasiones, la primera en el año 1494, y de nuevo desde 1505 hasta 1507. Se le asoció con los círculos humanistas y filosóficos y realizó grabados sobre asuntos alegóricos o clásicos, así como sobre temas religiosos. Durero realizó numerosos viajes durante toda su vida; durante un memorable recorrido por Flandes y los Países Bajos entre 1520 y 1521, realizó un diario ilustrado, que aún se conserva. Al igual que muchos artistas de su época, Durero se sintió atraído por el pensamiento teórico y escribió los Vier Bücher von menschlicher Proportion (cuatro libros sobre las proporciones humanas, publicado póstumamente en 1528). Ningún artista de su época tuvo una imaginación tan fértil, como lo prueban los grabados de El caballero, la Muerte y el Diablo (1513) y el de La melancolía (1514). El gran humanista del norte de Europa Erasmo de Rotterdam (de quien Durero realizó un grabado) le puso el sobrenombre de ‘el Apeles de las líneas negras’ en alusión al famoso pintor griego del siglo IV a. C. Las pinturas de Durero estaban a menudo repletas de imágenes ricas en detalles y extremadamente coloreadas; un ejemplo lo constituye la Adoración de la Trinidad (1508-1511, Kunsthistorische Museum, Viena). Los autorretratos predominan en su obra. Una de sus últimas es Los cuatro apóstoles (c. 1526, Alte Pinakothek) pintada en un doble panel; presenta la grandeza simplificada del estilo italiano, combinado con una intensidad de expresión característica del arte del norte de los Alpes.
Mientras Durero fue un consumado hombre moderno, comprometido con las nuevas formas e ideas que halló en Italia, Matthias Grünewald, su coetáneo, realizó una de las obras más sorprendentes de su época, el Retablo del altar de Isenheim (c. 1512-1515, Museo de Unterlinden, Colmar), un enorme políptico con dos estratos pintados que se repliegan hacia el lugar sagrado. La escena principal de estos laterales, la crucifixión, es una composición severa, con el cuerpo de Cristo desfallecido, casi como un cadáver, contemplado por la Virgen María de luto, san Juan Evangelista, san Juan Bautista como testigo y María Magdalena, todos atormentados por el dolor y situados en un paisaje totalmente árido. Esta evocadora y original obra de Grünevald se puede enmarcar dentro del estilo manierista.
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